(Nota: Esta información ha sido traducida y ligeramente parafraseada por TheDankBoi69, pero el texto original en inglés está aquí: https://www.dodekamusic.com/learn/alternative-music-notation/dodeka-alternative-music-notation/)
(Si no pueden verse las imágenes, este problema se arreglará en una edición posterior)
INTRODUCCIÓN: HISTORIA DE LA NOTACIÓN MUSICAL
Cualquier músico o compositor encantado por una melodía se enfrenta al
intenso deseo de capturar la música de forma duradera.
El enfoque conceptual de Dodeka sobre su
notación musical alternativa se basa en la realidad de la música. En esta
sección se realiza una breve reseña histórica de la notación musical
tradicional, con el fin de subrayar las inútiles complejidades y aberraciones
del sistema tradicional. A partir de este breve análisis, se presenta un
enfoque bueno y coherente para la teoría musical, introduciendo el concepto
central de Dodeka.
El deseo de la transcripción
La necesidad de transcribir la música a algo físico surgió desde los inicios de
la música, que parece remontarse a unos 5.000 o 6.000 años antes de Cristo. De
hecho, en la Biblia se menciona en el libro del Génesis que la música acompañó
rápidamente el desarrollo de la humanidad.
Orígenes antiguos
Con un origen tan antiguo, es concebible
que muchos sistemas de lenguaje musical se hayan introducido en todo el mundo.
Pero, en aquellos tiempos ancestrales, no existían los medios de imprenta. Por
lo tanto, los sistemas de notación potenciales estaban inevitablemente limitados
al uso regional y temporal. Más de 3.000 años antes de Cristo, los egipcios ya
tenían los medios para transcribir y grabar las melodías de sus canciones de
culto. Estos sistemas de transcripción también debieron ser utilizados más
tarde por las escuelas de cantores y los músicos judíos que interpretaban los
salmos bíblicos. Se descubrieron rastros de uno de estos sistemas de notación
en tablillas sumerias del siglo IX a.C.
La codificación, compuesta por cinco
símbolos, se obtuvo con caracteres cuneiformes colocados en el lado izquierdo
de los poemas religiosos.
En la época grecorromana
Es de suponer que los sistemas utilizados
en Oriente Medio pasaron al mundo griego y generaron el sistema “cata
pycnosis”. Parece que este concepto consistía en dividir la escala en
veinticuatro semitonos por octava. Si este es el caso, los antepasados quizás
tenían un sistema mucho más preciso y coherente que el nuestro...
La historia nos cuenta que alrededor del
año 600 a.C., los griegos utilizaban las letras del alfabeto para transcribir
notas musicales. Las letras estaban rematadas con un cartel que indicaba la
longitud de la nota. Alrededor del año 400 a.C., las obras de Pitágoras arrojan
luz sobre el aspecto matemático de la música. (Re)descubrió que las cuerdas tensas
forman acordes armoniosos cuando sus longitudes están definidas por múltiplos
de dos, tres o cuatro. Sus obras sitúan la teoría musical en un marco
aritmético simple.
Con la conquista romana, el sistema de
escritura musical desarrollado por los griegos fue adoptado y constaba de 1620
símbolos. Aproximadamente en el año 500 d.C., las letras griegas fueron
reemplazadas por letras latinas, en las que las letras mayúsculas o dobles
señalaban diferentes octavas.
Sin embargo, como el sistema se basaba en
un enfoque subjetivo del sonido, la escala musical quedó truncada.
Posteriormente se inventó una forma de anotar notas olvidadas. Las armonías del
canto gregoriano, para evitar el tritono disonante entre fa y si en la escala
diatónica, ayudaron así a crear un “si suave” situado un semitono por debajo
del valor de si normal, o “si fuerte”. Es a partir de este rasgo distintivo que
se originó el “bemol”.
En la Edad Media
Hacia el año 1000, un monje benedictino
italiano llamado Guido de Arezzo dedicó su vida a la oración, así como al
estudio y la enseñanza de la música. Para ayudar a sus alumnos, dio nuevos
nombres a las notas basándose en una estrofa de un himno a San Juan Bautista.
La primera estrofa es:
Las dos primeras letras de cada línea
cantada dieron los nombres de las notas creando en ese momento las siguientes
notas: Ut (que se convertiría en Do), Re, Mi, Fa, Sol, La.
Sin embargo, el sistema alfabético tiene
sus propios límites. Dificulta la lectura de melodías más complejas. Para
superar esta dificultad, los copistas italianos insertaron líneas de colores,
primero en la nota fa, luego en el do (ut) y finalmente en la. En aquella
época, el número de líneas y los colores eran variables. La tradición era
utilizar la letra G como referencia. Una vez ornamentado, este signo se
convertiría en la famosa clave de sol. Desde finales del siglo XII, el uso de
la pluma simplificó los gráficos y trajo consigo la forma característica de la
notación neumática: los puntos se convirtieron en cuadrados y rombos, y las
líneas unieron las notas. Esta gráfica se generalizó en manuscritos y se
mantuvo hasta el siglo XIV.
El sistema diatónico tradicional
Como se mencionó en el recordatorio
histórico anterior, el desarrollo del sistema de notación se elaboró en el
transcurso de siglos, siguiendo un proceso empírico. De hecho, el sistema
tradicional se construyó originalmente a partir de una suite melódica a la que
le faltaban varias notas. Para tener en cuenta los descubrimientos y ampliaciones
de los estilos musicales, este sistema tuvo que ampliarse gradualmente.
Debido a que esta progresión no estaba
prevista, provocó una gran cantidad de adiciones, lo que resultó en un sistema
complejo. Es como si hubiéramos construido una catedral basándose en planos
dibujados para una casa pequeña. Así, la notación musical nunca se vio liberada
de su gran defecto, que es querer escribir una composición musical a partir de
una melodía con una armonía bien definida.
Esta incómoda situación se puede comparar
con la condición de las personas que hablan entre sí usando siempre la misma
frase. Para expresarse, los interlocutores tendrían que utilizar continuamente
expresiones y añadidos destinados a corregir y deformar el texto inicial. Esto
es exactamente lo que ocurre con el sistema de notación actual: su base se
forja en la escala diatónica de la que es muy difícil escapar.
Teclados irregulares
Para convencerse de la complejidad de
este sistema, realizaremos algunos experimentos en un piano. El teclado de este
instrumento es un reflejo material de la notación musical estándar.
(Imagen
1: Las notas blancas del teclado tradicional corresponden a las notas de la
escala diatónica jónica en do)
Las teclas blancas corresponden a las
notas de la escala diatónica jónica en do (lo que conocemos como la “Escala de
Do Mayor”), mientras que las teclas negras se refieren a las notas alteradas, u
“olvidadas”, señalando modificaciones de tono en las notas principales, es
decir, un bemol para un semitono inferior y un sostenido para un semitono
superior.
Un principiante puede tocar fácilmente la
escala jónica de Do presionando sucesivamente cada tecla blanca, una tras otra.
Con un poco más de trabajo, también podrá tocar fácilmente una composición
musical en esa escala.
Por supuesto, esta situación está
totalmente bien para un primer contacto con la música, así como para aquellos
que se ciñen a las armonías en do jónico y eólico (o sea, do mayor y menor).
¿Pero cuál es el precio a pagar?
Lamentablemente, el precio a pagar es
alto. De hecho, tan pronto como el músico desea explorar otras armonías, es
terriblemente penalizado. El punto de vista diatónico provocado por el sistema
se convierte en un enorme obstáculo lleno de aberrante complejidad.
¡El problema del sistema actual es que
cada composición es indirectamente basada la escala diatónica en particular!
Una complejidad absurda
Como muestran las ilustraciones a continuación,
la transposición de un semitono de una canción tan fácil como “Cumpleaños
feliz” terminará siendo un ejercicio doloroso para el principiante. Con el
cambio de tono, las notas quedarán en parte en las teclas blancas y negras.
Para apartarse de la clave básica
establecida, el teclado y el sistema de notación deben utilizar muchas
correcciones, creando tantas variantes como claves existen. Para evitar
corregir cada nota, en algunos casos se indica una armadura de alteraciones al
principio de la partitura. Siguiendo estas instrucciones, el músico debe tener
en cuenta las correcciones mientras toca, lo que aumenta significativamente la
dificultad de la tarea. Por ejemplo, la escala de fa sostenido comprende seis
sostenidos que deben tenerse en cuenta para cada nota relacionada, considerando
que podría sonar ridículo porque se supone que hay doce notas en la octava,
donde hay un máximo de 5 notas alteradas, y para saber por qué hay 6
alteraciones, se tendría que saber el concepto del sistema enarmónico y
convenciones en donde una nota natural se puede escribir como el sostenido de
otra... ¡Esta situación absurda conduce a una cantidad increíble de escrituras
posibles y doce digitaciones diferentes para exactamente la misma composición
musical!
(Imagen
2: Escala diatónica jónica en fa sostenido. Para tocarla sin confundirse hay
que memorizarse una armadura)
¡Qué sistema, qué lenguaje tan terrible e
irregular! Y la pesadilla es sólo el comienzo. Estos obstáculos artificiales
también afectan al universo de las armonías musicales. En este sistema, cada
acorde de cada escala tiene doce variantes, mientras que en realidad sólo
corresponden a una única estructura musical.
(Imagen
3 al otro lado de la página: En un teclado tradicional, el mismo acorde mayor puede
ser tocado de diferentes formas según la nota)
Ejemplos de complicaciones
Aunque solo hay un semitono de diferencia
entre las partituras, la forma en que está escrita la canción es irreconocible
al transponerse. Y, sin embargo, es la misma melodía porque los intervalos son
los mismos.
(Imagen 4-a: Las primeras 8 notas
de “Cumpleaños Feliz” en do natural)
(Imagen
4-b: La mismísima melodía, pero ahora transpuesta a do sostenido. (Fíjese en la
aparición de múltiples alteraciones)
Un sistema engañoso
El sistema tradicional y su complejidad
diatónica encierra otro efecto astuto: ¡es confuso! Porque no deja de tener
consecuencias que los fundadores del sistema de notación hayan favorecido una
escala particular en una frecuencia particular. En ese momento, sin saberlo,
han “destripado” los estándares matemáticos de la música.
En una partitura, al igual que en el
teclado de un piano, las notas do y re están dispuestas con el mismo espacio
que las notas mi y fa. ¡Pero no podía ser más ilógico! En realidad, el
intervalo entre un Do y un Re es de un tono, mientras que el de un Mi y un Fa
es un semitono. Esto es ciertamente una “mentira” involuntaria, pero tiene
consecuencias terribles. De hecho, crea una distorsión entre la música real y
la música escrita. Como resultado, lo que se escribe en el sistema tradicional
es diferente de lo que se toca, creando una brecha entre la teoría y la
realidad de la música.
Esta brecha está en la base de lo que
diferencia a los compositores que tocan e improvisan “de oído” y aquellos que
interpretan partituras más “literarias”. El sistema tradicional ha creado
involuntariamente dos categorías de músicos con diferentes enfoques de la
música.
Una falta de retrospectiva
Lamentablemente, pocos músicos son
conscientes de las complejidades y aberraciones del sistema tradicional.
Incluso cuando se presenta el método homogéneo Dodeka, algunos músicos,
generalmente los más ligados a la teoría musical tradicional, experimentan
grandes dificultades para ver las inútiles complejidades de su sistema. Su
comprensión de la música se construyó a través del punto de vista diatónico y
no es fácil mostrarles que el camino podría haber sido mucho más corto.
La teoría musical actual parece una
fortaleza con fortificaciones innecesariamente altas. La mayoría de los
estudiantes se rinden rápidamente contra sus muros, mientras que una minoría,
lo suficientemente determinada, supera los obstáculos y obtiene la admiración
de los demás. Pero ¿cuántos músicos de calidad se pierden a causa de esta
absurda complejidad?
LA BASE DE UNA BUENA ALTERNATIVA A LA NOTACIÓN MUSICAL ESTÁNDAR
Ahora que se ha delineado la absurda
complejidad del sistema de notación actual, es posible esbozar los criterios
necesarios para una notación musical alternativa, que sea coherente y lógica.
Elaborar un buen enfoque es relativamente sencillo. Simplemente desmonte un
piano y podrá observar una visión clara y lógica de la música.
La regla del sonido
Más allá de sus expresiones emocionales y
subjetivas, la música es y sigue siendo un conjunto de sonidos regidos por
frecuencias y leyes matemáticas. Estas leyes se pueden observar fácilmente con
instrumentos de cuerda, donde la producción del sonido depende de la longitud
de las cuerdas. En realidad, una cuerda, tensada entre dos puntos, produce un
sonido determinado cuando vibra según una frecuencia determinada.
Por ejemplo, se puede producir un sonido
de “La4” haciendo vibrar una cuerda a 440 hercios (38016 betas recíprocos). Si
esta misma cuerda se corta por la mitad y la parte restante sigue vibrando, se
obtendrá un sonido con una frecuencia dos veces más rápida (880 hercios, o sea,
76032 b.r.). El sonido tendrá un tono más alto, correspondiente a La de una
octava más alta (La5). Si, por el contrario, la cuerda inicial, que vibra a 440
hercios, se multiplicara su longitud por dos, la velocidad de vibración de la
cuerda se reduciría a la mitad, produciendo un sonido de 220 hercios (19008
betas recíprocos), correspondiente a una octava más baja que la anterior (La3)
Fracciones agradables
El experimento puede llevarse más lejos.
La cuerda inicial se puede dividir siguiendo otras fracciones matemáticas
simples, como tres cuartos (3/4) o dos tercios (2/3), para producir valores
musicales apreciados por el cerebro humano. Sorprendentemente, un corte de
cuerda con una proporción de 1,333 forma una cuarta justa, mientras que un
corte con una proporción de 1,5 forma una quinta. Y mejor aún, que la cuarta y
la quinta son los intervalos más agradables al oído. Esta observación ilustra
la relación que existe entre los sonidos musicales y el fraccionamiento de las
cuerdas, pero sobre todo subraya el aspecto uniforme de la música.
Como se vio en el último experimento,
todas las notas musicales ocupan posiciones distintivas en la cuerda, lo que
sugiere que cada nota es en realidad única. Un do sostenido es tan único como
un do natural de la misma forma que un mi es tan único como una fa, ambas
consideradas notas “naturales”, por tanto, no hay razones para asociar el valor
de un do sostenido a un do natural, como plantea el sistema diatónico.
La relación entre los sonidos musicales y
el fraccionamiento de las cuerdas y el aspecto uniforme de la música se puede
observar fácilmente en las guitarras. Los mástiles de las guitarras tienen
trastes espaciados logarítmicamente, donde se dividen las cuerdas para producir
valores musicales que el cerebro humano aprecia.
La base de un buen lenguaje
Para encontrar un lenguaje capaz de
transcribir fácilmente diversas composiciones musicales, es imprescindible
remontarse al “alfabeto” inicial del universo musical, siendo su realidad. Este
nuevo enfoque debe rechazar cualquier favoritismo subjetivo de ciertas escalas,
modos y notas. Para ello, es importante representar de forma coherente y
precisa todos los intervalos musicales dentro de una octava. De hecho, cuando
se tocan sucesivamente cada intervalo musical, una octava se divide en doce
partes. Esta escala se llama escala cromática y está compuesta por doce
semitonos. Dodeka toma esta escala como el centro de su enfoque para
simplificar la notación musical y escapar de las complejidades inútiles de la
notación musical escrita actual.
Dodeka: UNA notación
musical rediseñada
El tetragrama (o trigrama cíclico) Dodeka
Uno de los principales desafíos al crear
un nuevo sistema de música es encontrar una notación lógica que mantenga
claridad máxima. Por ello, Dodeka sugiere situar la escala cromática sobre un
nuevo tetragrama.
Después de diversas investigaciones, el
sistema más eficaz y claro para ordenar los doce semitonos de la escala
cromática es en un sistema de tres líneas que se repiten hacia arriba y hacia
abajo en las que las notas se colocan de cuatro formas diferentes (tres líneas
por cuatro posiciones dan como resultado doce semitonos): centrada en la línea
(do, mi, sol sostenido); encima de la línea (do sostenido, fa natural, la);
entre líneas sin tocar ninguna (re, fa sostenido y la sostenido); y debajo de
la línea (re sostenido, sol natural, sí).
Al colocar una octava completa dentro de
un patrón repetitivo, el tetragrama Dodeka posiciona las notas de una manera
lógica y clara, lo que facilita la lectura de las notas. De hecho, acompañada
de una clave que fácilmente indica cuál de los tres tonos posibles de la
posición es la nota, esta estructura asigna una posición fija a cada nota en
cada octava, haciendo que las notas sean directamente identificables.
(Imagen 5: Mientras que en la
notación tradicional, en donde cualquier nota puede ir centrada en una línea o
entre estas dependiendo de la octava, en el Sistema Dodeka, por ejemplo, un do siempre
está centrado en una línea, y la nota que está tres líneas arriba o abajo
también sería un do.)
Con Dodeka, cada nota mantiene su
posición en cada octava. ¡Leer una partitura nunca ha sido tan sencillo!
Una gran paleta musical
La capacidad de añadir módulos de líneas
permite la ampliación infinita del espacio sonoro. Entonces ya no es necesario
tener escalas con un diseño especial para las teclas inferiores, como por
ejemplo la clave de fa. La disposición musical de Dodeka también permite
abarcar fácilmente toda la gama de instrumentos de una orquesta sinfónica. Esta
coherencia y flexibilidad simplifica enormemente el aprendizaje de la música.
Esta notación gráfica permite agregar
fragmentos de líneas adicionales para ampliar temporalmente el espacio musical.
(Imagen
6: Cada tres líneas, una nota es la misma. Además los símbolos para
alteraciones no son necesarias)
Escalas y armonías con Dodeka
La escala Dodeka
Para cambiar el nombre de los semitonos
tradicionalmente olvidados, Dodeka sugiere utilizar nuevas sílabas,
concretamente “ka”, “tol”, “he”, “pi” y “ve” para las versiones sostenidas de
do, re, fa, sol y la (o las versiones bemoles de re, mi, sol, la y si) respectivamente
Como se mencionó anteriormente, el método
tradicional favorece una escala a costo de otras. Pero con la increíble Dodeka,
no hay favoritismos y las notas en el teclado están dispuestas en filas
regulares, por lo que un acorde de un mismo tipo se toca de la misma forma, sin
importar el tono. El músico tiene que aprender a construir cualquier escala a
partir de la escala cromática.
Escala diatónica jónica (mayor) en do
Si se desea tocar en la escala diatónica
jónica en do (más conocida como do mayor), deberá presionar las teclas
correspondientes a esta armonía. Consiste en producir los siguientes intervalos:
(Imagen 7: Se llama “do jónico”
porque la nota en que empieza es do, y el modo de la escala diatónica es el
jónico, cuyos intervalos, como se pueden ver, son tono, tono, semitono, tono,
tono, tono, semitono.)
Escala diatónica eólica (menor) en Do
Si se desea tocar en la escala diatónica eólica
en do (más conocida como do menor), deberá presionar las teclas
correspondientes a esta armonía, deberá reproducir los siguientes intervalos:
(Imagen
8: Se llama “do eólico” porque la nota en que empieza es do, y ahora el modo es
el eólico, cuyos intervalos son: tono, semitono, tono, tono, semitono, tono,
tono. Hay un error
en la imagen 8, porque la escala de do eólico no tiene si natural, sino si
bemol, que en este caso adopta el nombre de “ve”.)
Tonalidades y transposición con Dodeka
Una de las ventajas más impresionantes de
Dodeka es su capacidad para liberarse de la restricción de tonalidades.
En el sistema tradicional actual,
cualquier cambio de tonalidad es sumamente gravoso, ya que existen doce formas
de tocar una misma composición musical. Cada cambio clave implica cálculos y la
reescritura de la partitura, así como de las escalas. Como resultado, los
pianistas tienen que reelaborar constantemente numerosas variantes de
interpretación y esto sólo para dominar las escalas básicas. Esta aberrante
situación desaparece con Dodeka. Cuando se utiliza una escala cromática, la
estructura de una escala o de una composición musical es siempre la misma para
todo el rango de tonalidades.
Con Dodeka, sólo hay que aprender los
intervalos de una escala para poder tocarla en todas las tonalidades. La
secuencia es siempre la misma. Como se muestra en la siguiente ilustración, una
composición escrita en do mayor se puede tocar en mi simplemente alejándose una
línea. Como cada espacio entre las notas es el mismo, la construcción de la
interpretación musical no cambia.
(Imagen
9: Escalas diatónicas jónicas (mayores) en las tonalidades de do natural, do
sostenido (“ka”) y mi, junto con sus acordes de tríadas mayores respectivos)
Una transposición clara
La capacidad de Dodeka para simplificar
la transposición no sólo afecta a las escalas, sino que también se aplica a las
notaciones de acordes, como se muestra en las siguientes ilustraciones.
El acorde de tres notas del tipo Do mayor
corresponde a los intervalos de tercera mayor seguido de una tercera menor.
Estos intervalos utilizados en la escala cromática siempre forman acordes con
armonías similares y este es el caso sin importar cuál sea la nota inicial.
Al mover la posición de los dedos de un
semitono, creamos el acorde “ka mayor” (o sea, do sostenido mayor). La demostración podría hacerse para todo el tramo de la escala
dado que esta regla se aplica a todas las tonalidades, a todas las formas de
escala y a todas las construcciones armónicas. Con tanta facilidad, es posible
leer una partitura en una tonalidad y tocarla en otra.
(Imagen 10, en la mitad anterior
de la página: Acordes mayores de do, ka (do sostenido) y mi en un teclado
homogéneo)
La arquitectura de la música
El revolucionario sistema Dodeka revela
la arquitectura de la música. Revela la estructura real de los acordes, es
decir, los intervalos propios de cada acorde diferente. Luego, estos se pueden
aplicar a cualquier tonalidad cromática.
En las partituras regulares, los acordes
mayores y menores se ven iguales dependiendo en qué nota estén, y necesitará
alteraciones si las notas de un acorde están fuera de la escala diatónica
jónica de do. Esta falta de lógica desaparece con la notación Dodeka. Los
gráficos de las notas transcriben fielmente los intervalos entre notas. Esto
permite captar la forma geométrica de los intervalos que separan las notas.
Dado que estos espacios reflejan la realidad del sonido, es posible percibir
visualmente el tipo de armonía que producirá el grupo de notas.
Por ejemplo, la estructura del famoso
acorde mayor forma dos intervalos asimétricos (tercera mayor y tercera menor).
Y sorprendentemente la secuencia de un acorde menor de la misma tonalidad forma
también los mismos intervalos asimétricos, pero al revés.
Desde esta perspectiva, la notación
Dodeka permite captar las estructuras geométricas que dan “carácter” a los
acordes musicales. Varios acordes tienen estructuras asimétricas (mayores,
menores), otros tienen intervalos simétricos (disminuidos, aumentados). Esta
visión gráfica de la música es muy interesante y permite revelar la relación
que existe entre un grupo de notas.
(Imagen
11: los acordes de tríadas mayores y menores de do en el sistema Dodeka. Como
ve, un do es la misma nota cada tres líneas.)
Para llegar más lejos
El sistema gráfico que transmite el
sistema Dodeka subraya que la música es un juego de intervalos “matemáticos”
entre dos ejes. El primero, el eje vertical, es el de las notas y las
frecuencias del sonido. El otro, horizontal, hace referencia al eje del tiempo
y los ritmos. Dodeka postula que ambos ejes se rigen por el mismo conjunto de
reglas, que comunica impresiones psíquicas.
Desde esta perspectiva, los intervalos de
un acorde mayor también se pueden reproducir en una secuencia rítmica
(asimétrica). Las notas y cadencias serían los espacios regidos por las mismas
reglas y en los que podríamos producir construcciones estructurales que serían
apreciadas por nuestro cerebro.
Duración de las notas
La creación de un nuevo sistema de
notación brindó la oportunidad de revisar la forma en que se escribía el tempo
musical.
En el método tradicional, la longitud de
las notas se indica mediante particularidades gráficas. Los valores temporales
de las corcheas se indican mediante la adición de barras horizontales. Esto no
simplifica la lectura y obliga al músico a prestar atención simultáneamente a
la posición de la parte redonda de la nota y a lo que está encima de ella.
En partituras complejas, estas dos zonas
visuales son difíciles de decodificar, más aún porque el músico también debe
considerar las alteraciones.
Además, el sistema tradicional también
creó el principio de notación con punto, donde un punto después de una nota
alarga su duración en la mitad de su valor.
Con este principio, el punto puede
representar la duración de una corchea, de una blanca, o de una negra Como su
valor es relativo, tenemos que calcular su longitud mientras leemos. Todos
estos elementos no son prácticos ni apropiados, lo que deja muchas ocasiones
para errores.
Una visión temporal explícita
El objetivo del método Dodeka era
encontrar un nuevo concepto de escritura rítmica que permitiera transcribir la
visión temporal de la música de una forma clara y práctica.
Lógicamente, la forma más sencilla de
indicar la duración de una nota es darle un tamaño horizontal proporcional a su
duración. En realidad, este es el sistema utilizado en los programas de
notación informática. Llegados a este punto, parece importante recordar al
lector que Dodeka fue concebido en 1980, mucho antes de la llegada de la
notación musical informática.
Menos poesía, más claridad
Esta forma de escribir el tempo es
evidentemente menos «poética» que la versión tradicional, que llena las
partituras de pequeños símbolos y embellece las notas.
Sin embargo, más que poesía, este sistema
de notación busca claridad. Las notas se establecen según una escala temporal
clara, que permite percibir directamente la duración de cualquier nota. Por lo
tanto, es muy fácil entender que hay que tocar dos corcheas durante la duración
de una negra.
Además, el valor variable del punto
desaparece y da paso a una indicación precisa de cada hora. En la práctica,
basta mirar una nota para saber simultáneamente su valor y su duración. Esta
notación ayuda enormemente al aprendizaje de la teoría musical, ya que subraya
claramente los valores de las notas y su tempo musical.
(Imagen
12: Este es un ejemplo de cómo se vería una melodía musical en el sistema Dodeka.)
Una escala temporal variable
En algunos casos, esta notación lineal
puede alargar partituras de grandes secuencias musicales con tempos largos,
como las de orquesta, por ejemplo.
Para tener en cuenta este aspecto, el
sistema de notación Dodeka ofrece dos soluciones. La primera es indicar un
cambio de proporción de duraciones mediante una fracción. Al hacerlo, se reduce
la anchura de las notas y se duplican sus tempos.
(Imagen
13: Con este símbolo, la duración de las notas es ahora multiplicada por 4/1, o
sea: dos notas de la misma duración se verían diferentes si están antes o
después del símbolo: la diferencia es que después del símbolo se vería 4 veces
más largo.)
La segunda solución consiste en indicar
un cambio de velocidad en las partituras. La anotación redefine
temporalmente los valores temporales de
las notas. Dicha anotación permite, por ejemplo, cambiar la duración de las
blancas en la de las corcheas.
Curiosamente, la forma en que Dodeka
escribe música se puede encontrar en determinadas interfaces de programas
informáticos musicales. En 1980, cuando se creó esta nueva estructura, la
informática musical estaba dando sus primeros pasos y no existía ninguna forma
de visualizar las partituras.
Posteriormente, la tecnología ha
permitido utilizar los ordenadores como “secuenciadores”. En este tipo de
software la posición y el valor de cada nota deben permitir indicar el tono de
la nota y su duración temporal. Esta condición llevó a varios programadores a
presentar la notación en una cuadrícula con base cromática.
Las correspondencias entre Dodeka y las
interfaces de los programas musicales modernos muestran que esta nueva notación
refleja la realidad física de la música, permitiendo escribir música con mayor
claridad.
Posteriormente, la tecnología permitió
utilizar las computadoras como secuenciadores para componer música. En este
tipo de programas la posición y el valor de cada nota indican el tono de la nota,
así como su duración temporal. Esta condición llevó a varios programadores a
presentar la notación en una cuadrícula basada en una base cromática.
La correspondencia entre la notación
Dodeka y la interfaz de los programas musicales modernos muestra que esta nueva
escritura refleja la realidad física de la música y la presenta con más
claridad.
(Imagen
14: Esta partitura es una transcripción en el sistema Dodeka de una breve
composición titulada “Bourrées” del compositor Johann Sebastian Bach. La
composición contiene varias notas no diatónicas que no están contenidas en la
escala de do mayor.)
Por lo tanto habría que utilizar
alteraciones, como sostenidos y bemoles, para dar sentido a esas notas
olvidadas. Por el contrario, en la transcripción de Dodeka, la partitura carece
de alteraciones y las posiciones de las notas están claramente indicadas.
Estos gráficos hacen que los espacios
sonoros de la melodía sean fácilmente identificables. Incluso los músicos
novatos podrían tocar fácilmente esta breve composición en un teclado regular.
